La historia inicial de Alejandro Lerner está asociada a los primeros años del rock argentino.

Nació en 1957 y ya en la escuela secundaria integró algunas bandas juveniles ANACONDA , TONELADA PLASTICA.

Pero a mediados de los ‘70, Raúl Porchetto descubrió el talento de este porteño que por entonces tenía sólo 16 años y lo convocó para participar de su grupo Reino de Munt. Muy poco después, debutó discográficamente como invitado en el segundo LP de León Gieco, “La banda de los caballos cansados”, de 1974. Tuvo un paso fugaz por Los Desconocidos de Siempre, el grupo que armó Nito Mestre luego de la disolución de Sui Generis, y como invitado junto a Miguel Cantilo, Punch, Piero y Prema. Había estudiado piano con dos prestigiosos maestros, Antonio De Raco y Juan Carlos Cirigliano.

Incursionó en la carrera de composición y musicología en la Facultad de Música de la Universidad Católica Argentina. Mientras tanto, seguía tocando con distintos solistas como Porchetto en los álbumes “Raúl Porchetto” (1976) y “Chico Cósmico” (1977). En el ‘76 se integró a Soluna, un grupo que había armado el ahora productor Gustavo Santaolalla luego de su separación de Arco Iris. Y fue allí, en el único disco que editó esa banda (”Energía natural”, 1977) que apareció por primera vez de manera pública como compositor, con el tema “Detrás del vidrio roto”, una de las experiencias profesionales mas importantes para su formación. Compartió luego con Rinaldo Rafanelli (otro ex-Sui Generis), Gustavo Bazterrica y Gonzalo Farrugia, una formación con la que no llegó a grabar. Luego de sus primeros años como pianista de otros grupos, crea su primera banda de música instrumental como director, arreglador y compositor: Solopororo, un grupo de jazz rock latino que dejó un simple publicado y un álbum que se editó tiempo después como maxi, en 1984, bajo el nombre de Lerner (”Sus primeras canciones”).De todos modos, es evidente que su gran espaldarazo llegó cuando se sumó, como pianista y compositor, a la banda de Sandra Mihanovich en 1980. Mientras tanto, le daba forma a un nuevo proyecto personal, La Magia. En 1982 editó su primer álbum solista (”Alejandro Lerner y la Magia”), se convirtió en consagración del Festival de la Falda y en el legendario festival BAROCK, con canciones irónicas y arreglos de rock sinfónico que inmediatamente llamaron la atención tanto del publico como de la prensa especializada. Con ese disco, que incluía temas como “Nena neurótica” y “Por un minuto de amor” -dos clásicos de su repertorio- su nombre se hizo definitivamente popular. Su primer álbum llegó a triple platino , lo que equivalía a una cifra de mas de 180.000 discos vendidos. Al año siguiente, cuando grabó y editó el LP “Todo a pulmón”, la carrera de Alejandro Lerner alcanzó uno de sus picos más altos. Con su estilo inconfundible bien consolidado, publicó dos nuevos álbumes; LERNERTRES con mas de 300.000copias vendidas y CONCIERTO su primer disco en vivo. Para ese entonces canciones como TODO A PULMON y NO HACE FALTA QUE LO DIGAS se habían convertido en clásicos populares en todo hispano América. En 1985 decide alejarse del ambiente argentino de la música y radicarse en los Estados Unidos. Allí perfeccionó su formación musical estudiando arreglos con DON SEBESKY y piano con ANDY LAVERNE .Regresa a Buenos Aires en el ‘87 con un nuevo disco bajo el brazo, “Algo que decir”.Una de las primeras publicaciones como sello independiente.

Se transformó en artista de repertorio y en una voz emblemática de la música popular argentina. Siguió grabando discos y presentándolos en conciertos cuya masividad nunca ha decaído , pero amplió su actividad hacia otros terrenos. Ha escrito música para cine, televisión , teatro-, música electrónica en series de ciencia ficción para tv, que le han valido recibir en dos oportunidades premios Martín Fierro, nominaciones a los premios GRAMMY en 4 oportunidades, numerosos premios KHONEX , GARDEL, SADAIC el premio de la sociedad de autores y compositores argentinos y el premio ASCAP de la sociedad de autores de Estados Unidos.

Sus canciones han sido interpretadas por artistas de la talla de MERCEDES SOSA , SANTANA, MIGUEL RIOS , LUIS MIGUEL, ARMANDO MANZANERO, GINO VANELLI, CAROLE KING ,CRISTIAN CASTRO, MARK ANTHONY, LA LEY , AIR SUPPLY, ALEJANDRA GUZMAN, entre otros,

Intervino como co productor e intérprete en el disco de dúos que hizo Paul Anka, junto a Celine DION, BEE GEES , TOM JONES, JULIO IGLESIAS junto a su gran amigo y mentor el productor HUMBERTO GATICA, con quién produce también dos de sus discos en Los Ángeles California, AMOR INFINITO Y PERMISO DE VOLAR.

Como productor Alejandro trabajó en el proyecto de CLAUDIA BRANT para Warner y en el 2001 el álbum LIBRE de la artista SOLEDAD para la SONY de Argentina.

Fue convocado para el homenaje a Carlos Gardel organizado por la Secretaría de Cultura y el Multimedios América en 1995, y para un disco de canciones patrias producido por Lito Vitale. En 1999, editó un álbum de grandes éxitos (”20 años”) con mas de 150. 000 placas vendidas. Con un nuevo trabajo de estudio, dos años después del anterior “Volver a Empezar”, con el mismo nivel de éxito. Ya nadie se pregunta por su pertenencia al rock o a la balada; tanto que en su nuevo disco incursiona inclusive en otros géneros latinos. La salsa en “Si quieres saber quién soy”, y melodías sentidas como “Se ríe de mí”, en la que Alejandro describe escenas y personajes de su barrio, el gran tema romántico “Amarte así”, con las guitarras - según expresa el artista - convertidas en el “alma de ese álbum”.

En 1996 produce para UNICEF el megaconcierto TENGO UN SUEÑO, para difundir y apoyar los derechos de los niños en la reunión cumbre de presidentes de Hispanoamérica en la cuidad de Panamá. con artistas como MERCEDES SOSA , RUBEN BLADES, ARMANDO MANZANERO , LEON GIECO , VICTOR HEREDIA y otras figuras de todo el continente.

Su labor solidaria lo llevó a apadrinar a distintas fundaciones y grupos de autoayuda participando de conciertos con fines solidarios en todo Latinoamérica.

En Diciembre de 2001 graba en vivo “Lerner. Vivo”, con la participación de amigos de distintos géneros musicales en el escenario del Teatro Gran Rex, disco de oro en la Argentina. Con estos dos últimos trabajos recibe 4 nominaciones a los premios GRAMMY LATINO.

En el 2002 participó como compositor e intérprete en el último disco de Carlos Santana, “Shaman”, quien lo invitó a compartir el escenario en mas de 10 ciudades en su gira por USA.

Tambien ha participado como autor he intérprete en el más reciente álbum del guitarrista de STING , DOMINIC MILLER.

Su más reciente trabajo es “Buen Viaje” , producido junto a CACHORRO LOPEZ e IGNACIO ELISAVETSKY, un disco con temas como “Después de ti” que ya alcanzaron las 17 semanas consecutivas en primer lugar en radios y primer lugar en ventas, no sólo en Argentina - donde ha recibido el galardón de 6 nominaciones a los premios GARDEL 2004 a entregarse a fines de marzo - sino en países como COSTA RICA y FRANCIA donde ha sido recientemente lanzado.

Se encuentra preparando una gira mundial de presentaciones de éste, su último material.

Lerner es un clásico, como lo son muchas de sus canciones. Y ese lugar queda perfectamente claro en el respeto que se ha ganado entre sus colegas de todas las corrientes.

Alejandro Sánchez Pizarro nació en Madrid el 18 de Diciembre de 1968.Tiene por nombre artístico Alejandro Sanz.

Sus padres Jesús Sánchez Madero y María Pizarro Medina, naturales, respectivamente, de las localidades gaditanas de Algeciras y Alcalá de los Gazules. Llevaban ya una temporada instalados en el madrileño barrio de Pueblo Nuevo, y luego se mudan a Mortalaz.

Su afición viene de herencia, ya que su padre; Jesús Sánchez Madero formo parte de dos grupos musicales.

A temprana edad empezo su pasión por la música ya que con siete años comienza a tocar la guitarra, tenía tanto afán por aprender a tocarla, que los sábados, aunque no iba al colegio, se levantaba muy temprano para practicar. Un día, su madre, que estaba cansada de que el pequeño Ale no les dejara dormir, se levantó y le rompió la guitarra.

Como Alejandro no iba a renunciar a su vocación de artista, ni a dejar de ir a clases de guitarra, le pegó un anuncio de periódico en el lugar donde estaba rota. Dicho anuncio era de una cámara de fotos y salía un pajarito. A partir de entonces sus compañeros, de broma, le llamaban “el niño del pajarito”.

Sus vivencias más intensas fueron ya desde niño en la tierra de sus padres, Andalucía, donde iba cada verano

“No se que edad tenía, pues era un crío, pero mi recuerdo más antiguo lo tengo de Alcalá de Gazules, estábamos allí en la plaza del pueblo, jugando al escondite con mi hermano y algunos amigos cuando me di cuenta que todo el mundo empezaba a meterse con una niña, no se por que, pero la pobre estaba pasándolo muy mal. No me lo pensé dos veces y fui a defenderla y a enfrentarme con quien hiciera falta.Me sentí entonces como el príncipe valiente, no cabía dentro de mí, por que la gente se retiró y la dejaron en paz. Desde aquel momento nos hicimos muy amigos”

A los trece o catorce años, recuerda su primera salida nocturna en Nochevieja, se fue con sus amigos a un local de su barrio a ligar con las chavalitas y a jugar a “eso de los besos” .

Sus mejores Navidades siempre las ha pasado en Sevilla. Una Nochevieja, se metieron en el granero de la finca de su tío Pepe Luis (en Carmona), sus primos y él armaron una fiesta allí y, cuando se terminó todo, salieron apaciblemente por la noche al campo y se pusieron a contemplar estrellas. Aunque sus amigos decían que él no ligaba ni a tiros, Alejandro llevaba ya a sus espaldas alguna que otra conquista amorosa.

Desde siempre Alejandro ha sentido devoción por su familia. Lleva en la cartera las fotos de su padre, madre y hermano (Jesús Sánchez Pizarro) . A la primera que pudo le compró a su padre un Mercedes y le montó a su madre una peluquería . “La pena”, dice Alejandro con su marcado acento, “es que mi madre desde que le puse la peluquería ya no cocina”.

AMORES
Le gustan las chicas desde que “tiene uso de razón’, como él mismo dice.

La primera chica en la que se fijo fue Isabel, una compañera de sexto de EGB. En el momento en que se armó de valor, le escribió una carta declarándole su amor, pero cuando Isabel la recibió, empezó a reírse de él. Pero ahí no quedó la cosa, porque la profesora, al ver que la niña se reía tanto, cogió la carta y la leyó en voz alta…. Alejandro pasó una vergüenza horrible, pero ahora lo recuerda con cariño.

Marta fue su gran amor. A ella le escribía poemas de amor y se le declaró delante de toda la pandilla, a los trece años. Pero su primer beso, se lo dió a la hermana de Marta, Olga con la que estuvo en una pequeña ruptura que tuvieron Marta y el, ya que ella creía que no estaba preparada para una relación todavía, aunque después volvieron. Fue un compromiso en “toda regla”, se compraron el uno al otro dos anillos de plata que se intercambiaron. En esta época, Alejandro era muy tímido, pero una vez que se lanzaba se tiraba de cabeza .. La relación de Alejandro y Marta fue muy turbulenta y estuvieron cortando y volviendo hasta los 18 años, que decidieron dejarlo definitivamente. Ella ha sido el amor que ha marcado su vida, alguien de quien guarda el más maravilloso de sus recuerdos

INGRID
Una presentadora de la televisión sudamericana. Ingrid, venezolana ella que por aquel entonces contaba con 17 años cuando tuvo su roce con el artista en plena promoción del primer disco.

Alejandro conoció a Jaydy Mitchel en abril de 1995
El 31 de diciembre de 1998 alejandro se caso con la modelo mexicana Jaydy Mitchell

La boda se celebro en Bali y no es valida legalmente para ninguno de los dos en sus respectivos países y como él dice: ” No lo hemos notificado ni al Estado ni a la Iglesia, que ya tienen bastantes problemas”.Alejandro decidió junto con Jaydy que la boda se celebrase en Bali.

“Nos casamos en Bali porque nos gusta mucho la espiritualidad que tienen. Lo hice para poder estar solos, mi familia y la de ella y ser lo más discretos posibles y no tener que formar el taco. Desgraciadamente se montó, pero lo hice así porque era nuestra forma de verlo”.

Nace su primera hija a la que llamaron Manuela el sábado 28 de julio de 2001 a las dos y media de la tarde, pesó 3,310 kilos y midió 49 centímetro. Jaydy Ingresó a las nueve y media.

Contó Alejandro que Jaydy le avisó y luego se vino rápidamente; la niña nació a la tarde y yo estuve presente. Me pusieron la ropa de médico, es difícil expresar con palabras esos momentos vividos.

Alejandro se encontraba entonces en Pamplona, donde actuaba esa misma noche, pero se trasladó a Madrid para vivir el nacimiento de su hija y por la tarde regresó para cumplir con sus compromisos profesionales

El dúo español está formado por Juan Aguirre y Eva Amaral. Ella comienza desde joven a componer sus canciones y pronto empieza a manejar la guitarra. Nació en Zaragoza, estudió escultura en la escuela de artes de su ciudad natal, empezó a compaginar estos estudios con pequeños conciertos en locales con Juan. Él nació en San Sebastián, trabajó en una banda de pop rock de tintes psicodélicos llamada Días de Vino y Rosas, con la que llegó a grabar un disco, posteriormente iniciaría su andadura con Eva. Empiezan a tocar juntos, en pequeños locales. Pronto, la poderosa voz de Eva se empieza a destacar. En 1997 ambos parten hacia Madrid y empiezan con sus primeros contratos y apariciones en televisión y colaboración en campañas de Amnistía internacional, se empieza a construir la base de lo que será su primer disco, que lleva el nombre del grupo. Un disco rock, con letras urbanas pero poeticas, de ahí surge su primer éxito Rosita, y un camino que llevaría a otros discos. El gran feeling entre ambos y la calidad de sus canciones, demostradas ya en una primera gira, les permite trabajar con gente de la talla de Cameron Jenkins, que trabaja entre otros con artistas com Lenny Cravizt, y editan su segundo disco grabado en Londres: “Una pequeña parte del Mundo”, un disco que los consolida, y les permite ocupar ya un hueco en el pop español. Canciones como Subamos al Cielo, Cómo Hablar, Cabecita Loca, Los Aviones No Pueden Volar… Y llegamos a su tercer disco bajo el nombre de “Estrella de Mar”, preparado por Eva y Juan, en su pequeño estudio casero y grabado con el mismo productor en Londres. No le ha faltado tiempo para colocarse en las listas de ventas y cabe destacar su single “Sin Ti No Soy Nada”. El feeling entre Eva y Juan se nota en sus conciertos y en el disco. En el 2005 regresan y presentan su disco “Pájaros en la cabeza” y lo presentan con la canción “El universo sobre mí” como primer corte de difusión. Compuesto por 14 temas inéditos grabados en Londres. La edición especial la publican junto a un DVD que contiene un EPK.

Nació en Témperley (localidad de la Provincia de Buenos Aires), en el seno de una familia media
argentina. Axel Fernando comenzó sus estudios de piano junto a sus dos hermanos, animados por sus
padres, ambos grandes aficionados a la música. Su primera profesora, recuerda con una sonrisa, fue
una monja filipina del colegio local. A los 8 años de edad ingresa en el Conservatorio Nacional de
Argentina y permanece en él hasta que, en el colegio secundario, decide centrarse en sus estudios
escolares y dejar momentáneamente los estudios musicales. Una vez acabada esta etapa, a los 17 años
vuelve a retomar sus estudios de piano, decidido a hacer de la música su medio de vida. A pesar de
la inicial oposición de su padre, con el apoyo de su madre, Axel Fernando consigue ir
introduciéndose en el mundo artístico de Buenos Aires. Su primer trabajo importante fue para una
telenovela de TV Canal 9, en la que interpretó el papel de un camarero y pianista de bar, con lo
cual satisfacía sus deseos de demostrar lo que sentía por la música, por una parte y por la otra, se
iniciaba en el mundo que tanto había soñado de las luces, los escenarios, y el público como testigo
inmenso de sus ganas de triunfar. Acabada la telenovela, Axel Fernando se trasladó a la Costa
Argentina para actuar en los locales nocturnos de las zonas turísticas durante la temporada
veraniega. Después vuelve a su ciudad para trabajar en la empresa familiar mientras espera la
próxima oportunidad para seguir adelante con su meta. A los pocos meses le ofrecen un trabajo como
reportero en un programa de música juvenil que se emite en Canal 26 de la televisión por cable. Su
primer entrevista, Axel recuerda, fue con Julio Iglesias. Al poco tiempo sustituye al presentador
del programa y comienzan a subir los índices de audiencia. El programa le ofreció la oportunidad de
presentarse al público como pianista e intérprete e inmediatamente Sony Music Argentina se interesó
por Axel, viendo en él todas las cualidades necesarias para ocupar un lugar destacado en la música
latina contemporánea. Es así que en 1999 saca su primer disco bajo el nombre de “La Clave para
Conquistarte”. Como compositor, su fuente de inspiración son sus propias experiencias y,
principalmente, las relacionadas con el amor. A pesar de su juventud, Axel es capaz de transmitir
emociones y sentimientos; en su voz hay algo de intimista y confidente que hace escuchar sus
canciones con atención. Axel sabe de lo que está hablando y quiere contar historias que interesen al
público, que transmitan emociones que le permitan ofrecer lo mejor de sí como artista, como músico y
como hombre. En el 2001 regresa a los estudios de grabación con su disco “Mi Forma de Amar”, y la
repercusión en favor de éste joven siguen; es así como en el año 2003 lanza una nueva producción
discográfica bajo el nombre de “Amo”, un disco en el cual él asegura que demuestra su crecimiento
artístico.

El grupo se formó en Lanús, provincia de Buenos Aires de la República Argentina a mediados de 1991. Adrián se había ido a Inglaterra a estudiar arte, cosa que nunca hizo, allí vio el movimiento de bandas y se dio cuenta que en Argentina el rock se había envejecido y no había propuestas nuevas. Vuelve y decide formar la banda. El nombre nació tanto como homenaje al gurú hindú Sai Baba como a la modernidad encarnada en el famoso dibujo animado de Los Supersónicos. La historia cuenta que a Facil-K (un amigo de la banda) le gustaba jugar con palabras, unirlas, cambiarle letras, entonces un día estaba viendo la tele y apareció el Sai Baba. Esto hizo que se le ocurriera unirla con la palabra sónico y así salió Babasónicos. Desde el comienzo se acercaron a la corriente de fines de los ‘80, conocida como movida “sónica”. En 1991 comenzaron sus presentaciones dentro del circuito underground. Hacían recitales que lograba atraer una gran convocatoria. Entre marzo y mayo del año siguiente se recluyeron en una quinta de Ezeiza donde grabaron su placa debut, editada en noviembre del ‘92 por Sony Music. El título del trabajo fue “Pasto” e ingresó a las radios de la mano de su éxito “D-Generación”. Dedicado a Sai Baba, el disco incluyó 20 temas. Un trabajo caótico y armonioso al mismo tiempo, que tuvo como artistas invitados a Daniel Melero y Gustavo Cerati. Muy pronto llegó 1994 y apareció la necesidad de un nuevo trabajo, así fue como decidieron instalarse una vez más en una quinta para grabar con el estudio móvil de Mariano López. En marzo del ´94 fueron, junto a Los 7 Delfines y Soul Assylum, el grupo soporte de INXS en su tercera visita a la Argentina. En mayo editaron “Trance Zomba”. El disco contenía himnos para la tribu sónica. Se distingue el roller boogie y ritmos sónicos por excelencia, ritmos que los distinguirían de cualquier banda nacional. Lo presentaron el 10 de septiembre en el teatro Broadway, vestidos con trajes de flecos. A principios del ´96 grabaron con producción propia su tercer placa “Dopádromo”. El álbum recorría ritmos como el hip hop, el folclore, el hardcore, la bossa nova y la música disco. En septiembre comenzaron una extensa gira por el exterior, tocando en Chile, Venezuela, Colombia, Costa Rica, Puerto Rico y Estados Unidos. El 6 de agosto de 1997 se editó “Babasónica”. Antes de comenzar la grabación de su nuevo disco participaron en el ciclo de rock del Teatro Regio organizado por el Teatro Presidente Alvear. Durante ese mes también participaron del primer festival de rock realizado en el cráter de un volcán. Esto sucedió en el Pululahua de Ecuador y participaron, entre otros, Man Ray, Pedro Aznar, Fabiana Cantilo, Virus y Aterciopelados. Los discos siguieron frente a la demanda del público, así llegaron “Vedette” y “Vortice Marxista” (discos “piratas” por llamarlos de alguna manera). El 23 de abril del 99 salió a la venta “Miami”, el quinto disco de la banda. En este álbum usaron instrumentos no tradicionales en el rock. El 2001 espera a los Babasónicos grabando el sucesor de Miami llamado “Jessico” y luego una versión de remixes titulado “Jessico Megamix” que sale a la venta en el 2002, mismo año en que sacan a la luz su disco número 10 bajo el título de “Lusónica” con ritmos muy variados, temas nuevos y algunos recopilados. Hacia finales del ‘03 sacan a la venta una nueva producción discográfica llamada “Infame”. Después del éxito de “Infame”, llega a las bateas de todo el país “Mezclas infame”, un álbum doble en el que la banda liderada por Adrián Dárgelos han sido remixados por distintos artistas argentinos, chilenos y mexicanos como Zuker, Kinky y Plastilina Mosh entre otros. El disco doble fue masterizado íntegramente por Daniel Melero y contiene remixes de canciones como Putita, Campestre y Risa.

Los integrantes de la Bersuit se conocieron en 1987 en un lugar de encuentro de músicos y artistas. Allí improvisaron por primera vez en escena versiones de los temas “Hociquito de Ratón (y punto)” y “Masturbación en masa”(inédito). Fue en Mayo del ‘89 cuando se dieron a llamar Bersuit Vergarabat. Ya entrados los ‘90 se incorporan al grupo Oscar Righi (guitarra eléctrica), Raúl Pagano (teclados) y Rubén Sadrinas (voz), formación con la que grabaron su álbum debut “… Y Punto” (1992), que contenía un cover del músico brasileño Cazuza que les trajo muy buena repercusión. Un año mas tarde, salen con su segunda producción titulada “Asquerosa Alegría”. Para esta época el grupo empezaba a vivir algunos cambios internos, como el alejamiento de Raúl Pagano, Rubén Sadrinas y su guitarrista Charly Bianco y la incorporación de Alberto Verenzuela. Entre rumores de una posible separación, Bersuit entra a estudios para grabar una nueva placa, “Don Leopardo” (1996), que contó con la producción de Pichón Dalpont. Con el lanzamiento de este álbum comenzó a ganar más lugar dentro de la escena musical, incluyendo su participación en festivales multitudinarios. Ese mismo año el grupo realizó 52 shows por distintas ciudades del país como Rosario, Córdoba, Trelew, Puerto Madryn, Comodoro Rivadavia y la Costa Atlántica, entre otras. El ‘98 encuentra a la Bersuit abocada a la producción de su cuarto disco “Libertinaje”, que tuvo como productor artístico a Gustavo Santaolalla, junto a Aníbal Kerpel, Pablo Guyot y Alfredo Toth. Se integrarían a la banda Daniel Suárez y Germán Sbarbatti en voces y coros. Los Bersuit inician una etapa de presentaciones en todo Latinoamérica, España y Los Estados Unidos. Integran el Watcha Tour del año ‘99, hacen tres giras exitosas por España, (incluyendo su elogiadísima participación en el famoso Festimad) pasan cuatro veces en un año por México, tocan en Chile, Venezuela, Colombia, Costa Rica, Uruguay, Bolivia, Perú, Nicaragua y Guatemala. Cierran el año 1999 con un show masivo al aire libre en Buenos Aires, nada menos que frente al Obelisco. Cincuenta mil fans los acompañan. En el año 2000 llega “Hijos del Culo”, nuevamente de la mano de Gustavo Santaolalla como productor artístico. “Hijos del Culo” fue disco de oro en menos de un mes. Bersuit giró por toda la Argentina con más de 50 shows, terminando la gira en Junio del 2001 llenando dos Estadios Obras Sanitarias. Luego se subió al Watcha Tour llegando a Los Ángeles, San Diego, Washington, Boston, Nueva York y Miami. Siguiendo por México y Centro América. A fines del 2001 se presentó nuevamente en el Estadio de Obras Sanitarias, grabando su primer disco en vivo titulado “De la cabeza con Bersuit”, que salió a la venta en mayo de 2002. La placa cuenta con 16 temas que representan las diferentes etapas del grupo, incluyendo un tema nuevo (”Un Pacto”) y la edición de “Perro Amor Explota”. Luego del notable éxito de “De la cabeza…”, Bersuit llenó cuatro Obras en dos fines de semana y un quinto durante la semana, hecho a beneficio de La Casa Cuna. En el 2004 presentan un álbum doble que se vende por separado. La primera parte sale a la venta bajo el nombre de “La argentinidad al palo (se es…)” y el segundo cd sale días más tarde bajo el nombre de “La argentinidad al palo (… lo que se es)”. El 13 de abril del 2005 son galardonados con el premio Gardel de Oro al mejor disco del año en una ceremonia realizada en el teatro Gran Rex de la ciudad de Buenos Aires. En agosto de 2005, la banda de rock # 1 de la Argentina presenta su nuevo álbum “Testosterona”. “Madre hay una sola”, es el nombre del primer single del disco, que está producido por Gustavo Santaolalla y Bersuit, y cuenta además con las participaciones de Andrés Calamaro, la Mona Jiménez, y el Sindicato Argentino de Hip Hop.

El grupo integrado por Emanuel Del Real (teclados y programación), Joselo Rangel (guitarra y
voz), Enrique Rangel (bajo) y Cosme (voz), tomó su nombre de un popular restaurante de México.
Su álbum debut se tituló “Café Tacuba” (1992), éste ganó el disco de oro en México e incluye
entre otros, los temas “María”, “Rarotonga” y “Las persianas”. El mismo año se presentaron en el
Festival de Lollapalooza en Los Ángeles. Luego fueron considerados la mejor banda post-punk de
1993/94. En 1994 lanzaron “Re”, su segundo disco, con 20 temas entre los cuales se encuentran
“El ciclón”, “La ingrata” y “Las flores”. Al mismo tiempo participaron en el Midem, primer
festival latino en su país llamado Viva México!. También abrieron shows de Santana en USA y
compartieron el escenario con los “Celtas Cortos” en Europa. Después de el éxito de “Re”, Café
Tacuba hace un homenaje a ciertos compositores y en si al pueblo de México tocando unas de las
canciones que son mas representativas para ellos en la recopilación hecha para su tercer disco
“Avalancha de Éxitos”. Luego lanzan un álbum doble. Por un lado “Yo Soy”, CD elaborado según los
cánones de aquel “Re” de 1994; por el lado opuesto: “Revés”, CD instrumental. “Yo Soy” es un
soliloquio irónico acerca -o en contra- del concepto de individuo. Entre las canciones
sobresalen dos temas: “La locomotora”, segundo track y segundo sencillo; y “Muerte chiquita”,
cuya melodía, en el “Revés”, es reinventada por Kronos Cuartet bajo el nombre de “M.C.”. El
resto de los temas parece elegido en función del concepto: la niñez y sus despertares en “Dos
niños”; la madre tierra en “El polen” y “El río”; o el asombroso ante el infinito en “El
espacio”. Por su parte, “Revés”, o el lado oscuro de los tacubos, se inició como una terapia de
grupo. Pero una vez que Gustavo Santaolalla y Anibal Kerpel, productores; y Kronos Cuartet, el
cuarteto de Clarinetes Arghül, la compañía Nacional de Danza Folklórica del INBA y músicos
invitados; metieran mano, la terapia acabó siendo un disco colorido sorprendente que, depende
con que sea comparado, puede o no ser genial: frente al new age es una herejía, frente a la
música electrónica es puro folclor, frente al rock mexicano es uno de los mejores discos de toda
la historia. En el 2003 lanzan su séptimo disco y primero bajo el sello Universal Music. Bajo el
nombre de “Cuatro Caminos”, fue producido por ellos mismos, con la colaboración de Gustavo
Santolalla. Luego lanzan “Un viaje”, que es un compilado grabado en vivo en los conciertos
realizados en el Palacio de los Deportes de la ciudad de México DF los días 6 y 7 de Octubre del
año 2004. Se trata de dos CD’ s + DVD con grabaciones de sus clásicos (La ingrata, Pinche Juan,
María, Rarotonga, etc). Además, salió una edición de lujo con 3 discos y DVD. La banda contó con
invitados especiales de lujo para dejar huellas de un concierto inolvidable.

carlos Alberto García Moreno nació el 23 de octubre de 1951. Es una de las figuras fundamentales de la música contemporánea argentina. Su debut discográfico se produjo en el año 1972, cuando participó del primer disco de Raúl Porchetto, titulado “Cristo Rock”.

Mientras cursaba la escuela secundaria conoció a Carlos Alberto «Nito» Mestre. Junto a él y a Carlos Piegari, Beto Rodríguez y los hermanos Belia formó Sui Generis, que, tras sufrir varias deserciones, quedó convertido en un dúo. Al estilo folk norteamericano, muy de moda en aquella época, grabaron tres discos: “Vida” (1972), “Confesiones de Invierno” (1973) y “Pequeñas Anécdotas sobre las Instituciones”. Por diversas razones, el dúo se separa en 1975, no sin antes organizar un recital despedida, durante el cual se registró un álbum doble, “Adiós Sui Generis”.

En 1976 graba un disco con PorSuiGieco, junto a los líderes del rock acústico: Raúl Porchetto, León Gieco, Nito Mestre y María Rosa Yorio.

La Máquina de Hacer Pájaros es el nombre de su siguiente banda, un proyecto novedoso que orilla el rock sinfónico. En su corta vida tuvo dos discos editados: “La Máquina de Hacer Pájaros” (1976) y “Películas” (1977).

Entre 1978 y 1982, García lidera Serú Girán, una de las bandas claves en el Rock Nacional. Con esta agrupación editó cinco discos: “Serú Girán” (1978), “La Grasa de las Capitales” (1979), “Bicicleta” (1980), “Peperina” (1981) y “No llores por mí, Argentina” (1982).

En ese mismo año comenzó su carrera como solista. Raúl de la Torre le encargó la banda de sonido de su película “Pubis Angelical”. Simultáneamente, grabó “Yendo de la Cama al Living”. Ayudado por la difusión que se le daba en ese momento al Rock Nacional a través de los medios de comunicación (durante la Guerra de Malvinas estaba prohibido pasar música en inglés), el disco tuvo una gran recepción en el público. Canciones antológicas surgieron de él, como por ejemplo “No bombardeen Buenos Aires”,

“Inconsciente colectivo” o “Yo no quiero volverme tan loco”. Para este trabajo, la banda estaba formada por Willy Iturri en batería, Gustavo Bazterrica en guitarra, Cachorro López en bajo y Andrés Calamaro en teclados. Este material fue presentado en un imponente recital - ante 25.000 personas - en el estadio de Ferrocarril Oeste, el 26 de diciembre de 1982. En la apertura del show, Charly llegó al escenario a borde de un Cadillac rosa y, en el cierre, una lluvia de proyectiles de utilería destruyó la ciudad que formaba el decorado, mientras sonaban los últimos acordes de “No bombardeen Buenos Aires”.

En su siguiente trabajo como solista (”Clics Modernos”, 1983), se inclinó más por el pop-rock, aunque la canción contestataria encuentra un lugar en, por ejemplo, “Los dinosaurios”. Este material fue presentado los días 15, 16, 17 y 18 de diciembre en el estadio Luna Park, acompañado por Pablo Guyot (guitarra), Alfredo Toth (bajo), Willy Iturri (batería), Daniel Melingo (saxo), Fabiana Cantilo (coros) y un joven rosarino en los teclados: Fito Páez. Este disco no fue bien entendido por el público, pues incluía - por primera vez en Argentina - temas «bailables», es decir: el ritmo tomaba otra dimensión, recortando las letras, hasta entonces concepto primordial del Rock Nacional.

La trilogía esencial de García se completa con “Piano Bar” (1984), un álbum rockero que tiene en “Demoliendo Hoteles” y en “Raros peinados nuevos” a sus máximos logros.

En 1985 no grabó ningún disco (fue editada una recopilación, “Grandes Exitos”). Quedó trunco un proyecto con Luis Alberto Spinetta, del cual sobrevivieron algunos recitales y el tema “Rezo por vos” (incluído en dicho disco). Ese mismo año fue protagonista del Festival Rock & Pop, organizado por Daniel Grinbank, donde compartió el escenario con Nina Hagen, INXS y Los Abuelos de la Nada, entre otros, que se llevó a cabo a principios de noviembre en Velez.

Junto a Pedro Aznar - y no sin levantar cierta nostalgia - grabó “Tango” (1986). Este material fue presentado en la discoteca Paladium el 26 de marzo. Su difusión fue muy escasa, pese a que dio la impresión que el proyecto daba para más. Paralelamente, renovó su banda, entonces integrada por Richard Coleman (guitarra), Fernando Samalea (batería), la vuelta de Calamaro y Melingo. Esta agrupación se denominaba “Las Ligas”.

En 1987 llegó “Parte de la Religión”, considerado por muchos como el mejor disco del García solista. Este material fue grabado e interpretado casi en su totalidad por él, y alterna un rock fuerte con estribillos melódicos. Es, seguramente, uno de sus discos más prolijos y compactos, desde la tapa hasta el contenido de las letras. Ya para los shows en vivo, en julio, la banda que lo acompañaba era nueva: Carlos García López en guitarra, Fernando Lupano en bajo, Fernando Samalea en batería, Fabián Quintiero y Alfi Martins en teclados y nuevamente Fabiana Cantilo en los coros.

El 15 de octubre de 1988, Buenos Aires tuvo el privilegio de ser la sede del cierre de la gira de Amnesty International, que deambuló por más de 50 ciudades de todo el mundo, clamando por los Derechos Humanos. Ese día, más de 80.000 personas asistieron a la cancha de River para aplaudir a grandes músicos internacionales, como Peter Gabriel, Sting y Bruce Springsteen, acompañados por los negros Tracy Chapman y Youssou N’Dour. Como representantes locales, León Gieco cantó su eterna “Sólo le pido a Dios” y “Hombres de Hierro”, y Charly arremetió con “Demoliendo Hoteles”, “Nos Siguen Pegando Abajo”, “Los Dinosaurios” y “La Ruta del Tentempié”.

Tras componer en 1988 la banda de sonido de la película “Lo Que Vendrá”, de Gustavo Mosquera (en la cual también interpretó a un enfermero), trabajó en su siguiente álbum solista, “Cómo Conseguir Chicas” (1989), esencialmente un trabajo de recopilación de canciones sueltas, que García, por diversos motivos, nunca había grabado.

Para poder lanzar su siguiente disco “Filosofía Barata y Zapatos de Goma” (1990), García debió sortear un juicio por “ofensa a los símbolos patrios” ya que ese LP incluía una versión del

Himno Nacional Argentino, que, finalmente, terminó siendo autorizada por los Tribunales.

“Mi Buenos Aires Rock” fue el nombre del festival organizado por la Municipalidad que convoca a cien mil personas en la 9 de Julio, para presenciar a García, Spinetta, Fabiana Cantilo y La Portuaria. Si bien estaba pautado que cada artista tocara media hora, García actuó por más de dos horas y terminó con su versión del Himno Nacional en un escenario iluminado con luces celestes y blancas.

Ese disco mostró claramente la influencia de Prince en el estilo de García, influencia que se vería más notoriamente en “Tango 4″, un disco compuesto e interpretado a dúo con Pedro Aznar. La idea era grabar un álbum con Gustavo Cerati, de Soda Stereo, que se llamaría “Tango 3″. El puntapié inicial fue “No te mueras en mi casa” (incluido en “Filosofía Barata…”) y continuó con

“Vampiro”, de “Tango 4″. Sin embargo, por causas que siempre evadieron comentar, el proyecto quedó en la nada.

El 22 de diciembre de 1991, como hacía casi nueve años, García reunió a 26.000 personas en Ferro para el recital Despedida del Año. En esa oportunidad, ingresó al escenario dentro de una ambulancia: era la forma que había elegido para burlarse de su internación en una clínica, a mediados de ese año. Las versiones periodísticas indicaban que Charly había ingresado con una fuerte sobredosis, hecho que quedaría confirmado con una publicitada relación amistosa con el Pastor Carlos Novelli (director del Programa de rehabilitación Andrés), que terminó en escándalo de acusaciones recíprocas.

La banda de músicos para ese segundo Ferro fue la misma que lo estuvo acompañando desde hacía un tiempo, ahora bautizada “Los Enfermeros”. Entre los invitados, estuvieron Mercedes Sosa, Fito Páez y el dúo de rappers Illya Kuryaki & The Valderramas.

En 1992, García representó al rock argentino en Les Alumées, una muestra de la cultura porteña que se realizó en Nantes, Francia. Viajaron tangueros, obras de teatro, pintores y rockeros: Charly convocó a 6.000 personas y fue recibido por el Alcalde de la ciudad. En ese mismo año se dio lo que muchos esperaban: el reencuentro con Lebón, Aznar y Moro para revivir a Serú Girán. Con una placa en estudios (”Serú ‘92″), recitales en Córdoba, Rosario y dos estadios de River colmados, durante los cuales se registró otro álbum doble, el reencuentro no dio para mucho más.

1993 fue un año de silencio discográfico, pero de mucha presencia en los medios. El veraneo en Punta del Este dejó varias páginas impresas sobre escándalos que siempre lo tuvieron como protagonista. Le siguieron varias internaciones en clínicas de desintoxicación. «¿No te da miedo vivir así?», le preguntaron. «No, me gusta. Es parte de la religión. Los que tienen miedo se van antes. Lo que pasa es lo de siempre: si me tiño el pelo o si me interno, soy tapa de todos los diarios. Si me dieran la mitad de ese espacio cada vez que saco un disco, vendería millones», contestó (Clarín, 16/02/93).

Hacia octubre comenzó la gira que terminaría nuevamente en Ferro, a fines de diciembre. La banda soporte, “Los indeseables”, sufrió la deserción de Carlos García López y de Hilda Lizarazu, ambos abocados a sus proyectos individuales (la García López Band y Man Ray, respectivamente). García convocó a María Gabriela Epumer (ex-Viuda e Hijas), para cumplir ambas funciones, guitarra y coros.

En julio de 1994 se lanza su muy publicitada ópera-rock “La Hija de la Lágrima”. Como tal, este trabajo incluye muchos pasajes instrumentales y de virtuosismo. “La sal no sala” (junto a Juanse) y “Fax U” son los hits que sobresalen. En septiembre, “La Hija…” se presenta en diez funciones colmadas del Gran Rex.

En febrero del ‘95 se presentó en el Festival Internacional de la Canción, en el estadio Mundialista de Mar del Plata, junto a Paralamas, Antonio Birabent y Fabiana Cantilo. Repasó algunos de sus éxitos y adelantó material de su nuevo disco “Estaba en llamas cuando me acosté” (1995), al frente de la banda ahora bautizada “Casandra Lange”. Todos los temas fueron grabados en vivo, durante la gira por los balnearios de la costa. La placa tiene solamente dos canciones propias: “15 forever”, que había quedado afuera de “Tango 4″, y “Te recuerdo invierno”, una melodía que García compuso antes de Sui Generis. Por otra parte, incluye once covers, entre ellos: “There’s a Place” y “Ticket to Ride”, de Los Beatles; “Positevely 4th Street” (Bob Dylan) y “Simpathy for the Devil”, de los Rolling Stones. “Sweet Dreams”, de Eurythmics, es el único tema que no respeta la época: «Lo que pasa es que conocí a Annie Lennox en Nueva York cuando estaba por grabarlo y me lo cantó a capella. No podía dejarlo afuera», se justificó Charly.

Aprovechando el furor de los recitales acústicos, García se presentó en el ciclo “Unplugged” de la cadena televisiva norteamericana MTV, con un show que incluyó temas de todas sus etapas y que fue puesto en el aire para toda Latinoamérica en julio y editado en CD para fines de ese mismo año. El material fue tocado en vivo en el teatro Gran Rex, a fines del ‘95.

En el verano del ‘99 fue la gran atracción del ciclo gratuito Buenos Aires Vivo III, organizado por el gobierno porteño en Puerto Madero. Más de 150.000 personas aclamaron a García en un show dedicado a los desaparecidos y registrado en vivo para el disco “Demasiado Ego”. Ese mismo año volvió a la polémica, al organizar un recital privado para el presidente Carlos Menem. Ese show quedó registrado en “Charly & Charly” un disco de edición limitada que no salió a la venta.

Tres años debieron pasar para que García regresara al disco, y al formato de canción en sus creaciones. “Influencia” (2002) tuvo en “Tu vicio” el corte difusión, pero el resto del material es bastante más interesante que esa melodía pegadiza pero superflua.

Con su nueva producción discográfica, Chayanne le pone ritmo al asfalto, le da un nuevo brillo a las noches de luna en la ciudad, despierta el deseo de los corazones ávidos de pasión por encontrarse con el sabor de la música hecha con fe. Por eso se muestra Sincero, porque así se llama el material discográfico donde se entrega con “Un Siglo Sin Ti”, donde ofrece potentes estribillos para bailar con “Caprichosa”, donde desfallece como intérprete y anticipa como un guerrero consumado el plan de la conquista de territorios internacionales abiertos a su presencia.

El disco es Sincero. Elmer Figueroa Arce, más popular y familiar en el medio artístico como Chayanne, estrena su álbum número 11 con un título que combina la intriga y el reto: Sincero. A la intriga porque abre puertas y ventanas de su vida artística como nunca lo había hecho al dar un paso adelante con ritmos y propuestas más urbanas, acercadas a los pulsos latinoamericanos combinados con sonidos europeos. Tiene letras más sólidas. Al reto porque significa que el puertorriqueño está explorando sus habilidades como intérprete y su potencial como cantante al experimentar con nuevos estilos, mucho más dinámicos y frescos.
Afirma que el tiempo es su máximo enemigo porque si los días tuvieran 36 horas trabajaría más, se dedicaría más a sus conciertos, a visitar más países, a darle más a la gente que le ha profesado fidelidad desde que era parte de Los Chicos.
“El tiempo es mi enemigo porque no me alcanzan los días para hacer todo lo que yo quisiera. Me gustaría ir a países que no he visitado. Me encantaría agregarle horas a los días… sin dejar de apreciar la belleza del tiempo y la madurez, quisiera que fuera eterno”, expresa Chayanne.
Pero está orgulloso de lo que ha hecho en sus 35 años de edad. Renovó su Estilocon sonidos más callejeros, brincando entre lo relajado y lo acelerado para marcar un contraste que con el correr de las horas en el reproductor, seguramente crearán adicción.
Entre los productores que participaron en este álbum se encuentran Estéfano, Julio Reyes, René Toledo, Luis F. Ochoa y Rey Sanchez.
Ahora, la mezcla de baladas con mid tempos y up tempos lo hacen lucir tan maduro y fuerte que podrá dar una batalla incansable, certera, en las estaciones radiofónicas con creaciones como “Cuidarte el Alma”, “Al Pan Pan y al Vino Vino”, “Vaiven”, “Dulce y Peligrosa” “Sentada aquí en Mi Alma” o “Santa Sofía”.

Chayanne, el ser humano y la persona Nacido en Rio Piedras, Puerto Rico y criado en San Lorenzo,Chayanne señala entre sus prioridades como ser humano aquellas que vanligadas a su trabajo: hacer las cosas con respeto, cuidar a su familia, cultivar suesencia física y el espíritu humano, crecer como persona y desarrollar suscapacidades  de admiración y entendimiento sobre el mundo que lo rodea. Asípodría describirse al boricua en tres palabras: carismático, risueño y talentoso. Sin adular ni subestimar.
Su figura lo delata. Es aficionado a la cultura física, se consciente con ejercicio y ya adoptó las actividades de este tipo, como el deporte en la playa o las rutinas en el gimnasio como parte de su estilo de vida, porque está convencido de que así se mantiene saludable.
“No es un sacrificio porque cuido mi salud, es un gusto porque sé que me estoy beneficiando”, dice el risueño cantante.
Y el esfuerzo le ha traído ganancias a lo largo de su carrera. Fue considerado entre las 50 personas más bellas por People Magazine en 1993 y cuando apareció en Playgirl, sólo en diminuto traje de baño, acaparó miradas porque su sonrisa no es el único atractivo que posee.
Los secretos que guarda son sólo personales porque para comer no se limita y
trata de probar de todo, aunque la fruta como el mango, las cerezas y la
piña, lo enloquecen.
El boricua transpira energía al bailar, sabe que sus movimientos al compás de sus melodías son emblemáticas de su carrera y lo hacen resplandecer entre todas las estrellas de habla hispana.
“Antes que padecerlo, disfruto el baile, las actividades propias del trabajo, de un show, las coreografías, me revitalizan, me apasionan”, expresa Chayanne.
Le gusta la buena música instrumental, y siempre repasa los éxitos de la década de los setenta y los ochenta.
Carga con música a todos lados, y en la filmación de los videos  promocionales de “Un Siglo Sin Ti” y “Caprichosa” en Toronto, Canadá, no hubo excepción.
En sus ratos de ocio, cuenta, le gusta tirarse en la playa, arrullarse con cada caricia que el viento le da a las palmeras y hacer deporte al aire
libre.Ha aprendido a apreciar la belleza del mundo y las bondades de la naturaleza.
“Me gusta observar. Mi profesión me ha dado la oportunidad de apreciar bellezas tan espectaculares como las Cataratas de Iguazú, o una ciudad tan limpia como Toronto”, comenta Chayanne.

Carrera de logros
Este risueño artista es más intérprete porque el sentimiento que le imprime a las letras que ha cantado de grandes compositores le dan un sello muy particular, las ha hecho únicas.

Cantó de Eros Ramazzotti “Completamente Enamorados”, de José María Cano “Tiempo de Vals”, de Franco de Vita “Y Tu Te Vas” y de Estéfano “Torero”.

Más de quince años de carrera como cantante lo han ubicado en el radar del éxito con temas tan populares en todo territorio de habla hispana como “Candela”, “Este Ritmo se Baila Así”, “Yo Te Amo”, “Salomé” y “Baila Baila”.
“Todo ha sido parte de mi crecimiento, creo que me gustaría ir al resto del mundo, al Caribe, para promocionar mi música y ver cómo la recibe gente de culturastan diferentes a la latina”.
Más de 70 discos de oro y platino, así como shows en Estados Unidos, América y Europa, respaldan la trayectoria del cantante. (Ha escalado las listas del  éxito en Billboard del diez al número uno con incontables canciones tan familiares para su público como, “Dejaría Todo”, “Fuiste un Trozo de Hielo en la Escarcha”, “El Centro de Mi Corazón”,”Salomé”, “Palo Bonito” o “Y Tú Te Vas”, entre otras.
Con Atado a tu Amor se adjudicó una nominación al Grammy en 1998 en la  categoría Mejor Interpretación Pop Latina, lo cual ya había conseguido 9  años atrás en lamismo rubro, pero con su disco Chayanne.
Incluso, cuando promocionó el disco de donde salieron “Fiesta en América” y  “Te Deseo”, salió al aire en la Unión Americana el comercial que grabó en inglés para Pepsi. Estemarcaría su primer paso hacia el camino por entrar al competido mundo delespectáculo en Estados Unidos.
Ahora ya es familiar para el mercado anglosajón, pues no sólo lo recuerdan por sus actuaciones en la serie Ally McBeal, con Calista Flockhart, sino también con el éxito taquillero Baila Conmigo, que estelarizó junto a Vanessa Williams.

Padre de familia Chayanne forma parte de las figuras de extracción hispana y que gozan de fama internacional y presumen capacidad profesional desmedida, que tienen a
una gran mujer a su lado y no le apena decirlo.
Está casado con la venezolana Marilisa Maronese, quien es la madre de sus dos hijos: Lorenzo Valentino e Isadora Sofía.
Chayanne cuenta que ellos son el eje de su vida, el motor que lo mantiene vivo, la razón por la que está cimentando su felicidad en el trabajo y el núcleofamiliar.
“La gente sabe lo que soy, lo que tengo. Sabe que la música es uno de mis grandes amores, pero tengo los personales, que son mi mujer y mis hijos y no los cambio por nada”.
“La verdad del ser humano está en sus hechos, en sus logros, en la gente que lo rodea y mi familia es maravillosa”, asegura, quien es el tercero de cinco hermanos.”
Y no le ruboriza decirlo, ni lo tiene prohibido, porque ellos son el secreto de su estabilidad. Lo hacen ver como un ser humano completo, exitoso en su profesión, más que como una glamorosa estrella vacía, de las que pululan en el medio, y con las que no tiene punto de identificación.

Confiado en su suerte
Acompañado del estreno de Sincero, siempre hay propuestas para realizar proyectos en su carrera como actor la cual inició en telenovelas como Pobre Juventud y continuó con Tormento, Sombras del Pasado y Volver a Empezar.
Tiene ganas de hacer más cine, televisión, pero como el tiempo apremia y no es tanto como quisiera, por el momento está consagrado a su faceta de cantante.
El intérprete de “Tu Pirata Soy Yo” confía en su suerte, en lo que sus capacidades le ofrecen.
“La suerte es fundamental, da seguridad porque confías en ella, pero también importa el trabajo, el empeño que pongas. No tengo un dolor de cabeza por remordimiento, nunca he hecho daño a nadie y soy feliz con lo que he conseguido, pero quiero más”, señala.
Y que nadie se quede quieto con lo que viene de Chayanne, porque hablar de él significa provocar a la adrenalina, sudar por placer, bailar con amor, cantar por gusto. Ya era tiempo de que regresara, y está de vuelta, para arrasar.

QUOTES DE CHAYANNE
“Creo que la felicidad que proyecto es el resultado del núcleo familiar en el que fue educado, con los valores del respeto y el amor en todo momento, mi familia me dio unas bases sólidas que son indestructibles a pesar de lo que suceda, siempre tuve el soporte de mis padres y mis hermanos y así me veo yo como el núcleo de una familia, como el soporte, doy apoyo”.
“Mi época oscura ha sido la de más dolor profesional, como cuando me separé de un grupo exitoso como Los Chicos para convertirme en solista y aunque tenía el apoyo de mi familia y la gente que creía en mí, si fue doloroso”.
“Siempre hay una lucha entre lo negativo y lo positivo porque un artista se enfrenta a las críticas y eso lo he aprendido desde hace mucho tiempo”.
“Los peores momentos son los de la incertidumbre, porque como humano siempre hay expectativas sobre lo nuevo, por saber cómo me va con el disco, las dudas de la recepción, me parece normal”.

Nació en Nueva York, el 18 de diciembre de 1980. A los 6 años, descubre que la música es su vida al participar en diferentes concursos de talentos.

Cristina Aguilera comienza desde muy joven su afición por la música y participa desde los 6 años en varios concursos de talentos.
Años después, viaja a Asia para incrementar sus habilidades como cantante y logra hacer un dueto con la estrella japonesa de pop Keizo Nakanishi. A su regreso a U.S.A. fue invitada para cantar el tema principal, “Reflection”, de la película Mulan de Disney y posteriormente firma contrato con la RCA.

En 1993 interpreta la canción “What Child Is This?” perteneciente al disco navideño “CHRISTINA AGUILERA For The Holidays”, y en 1999 realizó un nueva versión titulada “The Christmas Song (Chesnuts Roasting On An Open Fire)”, que llego a estar en el top 20 del Billboard Hot 100. En ese mismo año, Christina co-escribió y cantó el tema perteneciente a la banda sonora de Pokemon “We’re A Miracle”.

A pesar de su juventud, Cristina ha cantado con grandes estrellas de la música. En su gira por Japón cantó junto con Sheryl Crow y Diana Ross. También cantó para el presidente de los EE.UU, Bill Clinton, en el espacial televisado “Christmas in Washington”, teniendo como compañero nada más y nada menos que a B.B.King.y además cantó al lado de Enrique Iglesias, Phil Collins y Toni Braxton en el medio tiempo de la Super Bowl.

El 24 de Febero de 2000 recibió el premio Grammy por mejor artista nueva.

A pesar de su juventud, Cristina sigue intentando definir su música, que va desde un pop bailable, que pasa por una especie de gospel, hasta llegar eventualmente a las baladas.

Cristian Sainz Castro nació el 8 de diciembre de 1974 en la Clínica Santa Teresa de la Ciudad de México. Sus padres son la cantante y actriz Verónica Castro y el comediante Manuel ‘El Loco’ Valdés. Sus primeros pasos por el mundo del espectáculo llegaron cuando interpretó la canción “Gallito feliz”, que en algunas ocasiones incluye en sus conciertos.
Además de que tuvo una intervención en la telenovela El Derecho de Nacer. Bajo la guía de su madre, su tía Beatriz y su abuela.
A los siete años, Christian Castro logró ser locutor de radio y tener su propio programa: ‘La Hora de Christian’. Posteriormente participó en el Festival “Juguemos a Cantar” y en la obra musical ‘Mame’, al lado de Silvia Pinal. Esa fue la primera de las experiencias artísticas que le dio la satisfacción de ser reconocido con varios premios cuando apenas tenía nueve años.
A los 15 años debutó en el Festival de la OTI con el tema “16 diciembres” y retomó su faceta de actor en la telenovela Las Secretas Intenciones.
Mucho se a dicho de su destreza histriónica. Su voz sin duda fue diseñada por un arquitecto supremo, muy pocos tienen un registro vocal tan amplio. Su vena artística, por el otro lado no es muy conocida. Su amor por las artes en general va desde su pasión por la pintura hasta su habilidad para actuar y dirigir películas. Esta pasión fue inspirada en parte por su contacto con el mundo de la actuación desde que era pequeño.
Ya en 1991, grabó su primer disco Agua Nueva, que incluía la canción “No podrás”, y que se convirtió en un himno en las discotecas. Después de grabar dos discos más, de viajar, ofrecer conciertos por América Latina y acumular varios reconocimientos, entre ellos el premio “Lo Nuestro” a la mejor canción en 1994, mejor artista masculino en la categoría regional mexicana en 1996 y premio especial “Jóvenes con legado” en el 2000, decidió alejarse y radicó un tiempo en Nueva York para estudiar cine.
A la par que conoció el éxito cosechado por trabajo propio, Cristian se alejó un poco de su madre, en una etapa en la que se caracterizó por sus escandalosas declaraciones, como cuando confesó su adicción a las drogas.
Desde que inició de manera formal su carrera como cantante, el joven ha sido considerado más intolerante que polémico. Su informalidad lo ha llevado a dejar más de dos horas esperando a los medios citados por la compañia discográfica que distribuye su material, para después declarar que él no los necesita para difundir su material y darse a conocer con el público.
Entre sus groserías y el carisma que ha logrado proyectar a un sector del público femenino de América Latina, la fama de Cristian crece día a día, lo mismo por sus canciones que por sus amores o sus desplantes.
El 8 de marzo del 2003 el cantante mexicano se casó por la ley civil con la paraguaya Gabriela Bo, heredera de una de las fortunas más importantes de ese país sudamericano. Además de los padres de los recién casados, acudieron a la ceremonia, el ‘Príncipe de la canción’ José José, Juan Pablo Manzanero, entre diplomáticos y empresarios. Sin embargo, esta unión terminó en divorcio el 13 de julio de 2004, para después volver a casarse por el rito judío con su antigua novia, la argentina Valeria Liberman, el 31 de julio de este mismo año, con quien tendrá un hija en el 2005 a la que llamará Simone.
En el ámbito musical, su primer disco fue solventado gracias a su amigo Alejandro Zepeda, quien vendió su auto y usó el dinero para grabar el primer álbum titulado “Agua Nueva”. Este disco rompió todas las barreras y probó que con un álbum debut uno puede colocar muchas canciones en el top de las listas de popularidad. “Para Ti”, “Ritual” y “No Podrás” fueron algunos de sus hits.
Su segundo álbum “Nunca Voy A Olvidarte”, fue un éxito desde el comienzo, consiguiendo para Cristian su primera nominación al Grammy. Un año y medio después grabó “El camino del Alma” donde ratifica sus dotes artísticos. Uno de los cortes de este álbum, “Mañana”, pertenece al renombrado artista mexicano Juan Gabriel. La combinación de estos dos genios inmediatamente trajo resultados, y la canción se convirtió en un hit. Los temas “Amor” y “Amarte a ti” alcanzaron los primeros puestos del ranking y se convirtieron en himnos populares.
Cualquier duda sobre el potencial de Cristian, quedó descartado con el lanzamiento de su siguiente álbum, “Lo Mejor De Mi” que rompió todos los records en ventas, premios, listas de preferencia. Prácticamente todos los sencillos de este disco, alcanzaron el primer puesto del Billboard y otras listas importantes de la industria. “ Lo Mejor De Mi”, “Si Tu Me Amaras”, “Amaneciendo En Ti”, “ Lloran Las Rosas”, “Después de Ti que?”, se convirtieron en parte de la historia musical, e inclusive compitieron entre ellas mismas por los primeros lugares de referencia.
Su siguiente álbum “ Mi Vida Sin Tu Amor”, fue editado en 1999 y cosecho éxitos rotundos como los anteriores, temas como “Volver Amar”, “Tu Sombra En Mi”, “Mi Vida Sin Tu Amor”, “Por Amarte Así” y “Angel” permitieron que Cristian se consolidara como un cantante romántico de excepción.
Dos años mas tarde llega “Azul”, al igual que el anterior, fue producido por Kike Santander, quien coloca definitivamente al cantante mexicano en el más alto nivel de los artistas Latinos.
El 2003 nos trae un nuevo álbum de Cristian, “Amar es”, en el que abandona su sociedad con kike Santander y se respalda bajo la producción de Emilio Estefan. El disco nos presenta cortes de difusión como “No hace falta”, “Este loco que te mira” o “Te llamé”, incluyendo un disco con 9 temas inéditos y entre ellos su tan reconocido “Gallito feliz” presentado en versión de Cumbia y Rock.
Al año siguiente sale a la venta “Hoy quiero soñar”, con el cual Cristian vuelve al estilo de canciones que lo hicieron triunfar, con su voz única e incomparable que lo distingue como uno de los baladistas más destacados de Latinoamérica.

Daddy Yankee, cuyo verdadero nombre es Raymond Ayala, nació en Villa Kennedy, Puerto Rico. Produjo su primer álbum bajo la tutela del talentoso DJ Playero, uno de los pioneros del reggaetón. La fanaticada se enamoró de inmediato de la habilidad lírica y creatividad interpretativa de Daddy Yankee.

Su vibrante energía ha causado una sensación musical que ha cruzado fronteras culturales y de idiomas para hacer del reggaetón un género musical apreciado a través del mundo. Daddy Yankee merecidamente se ha ganado el reconocimiento como uno de los exponentes artísticos más respetados y admirados del género de reggaetón. Entre los discos más vendidos por El Rey de la Improvisación se encuentran títulos como “El Cartel de Yankee”, “El Cartel de Yankee II”, “El Cangri.com” y “Los Homerun-es” y “Barrio Fino”. De hecho, en 2002 el álbum “El Cangri.com” colocó a Daddy Yankee al frente de la palestra musical al convertirse en el disco más vendido en Puerto Rico. Todos sus álbumes han llegado a ser discos platino.

El año 2003 fue trascendental para la carrera de Yankee. El espectáculo titulado “Ahora Le Toca Al Cangri” pronto se convirtió en el momento más importante en la trayectoria de Yankee, así como un acontecimiento histórico en la música de reggaetón. En julio de 2004 comienza el lanzamiento de “Barrio Fino”. Su objetivo con “Barrio Fino” es el de, no tan sólo mantener su lugar dentro del género musical de reggaetón, sino de introducir el género para cruzar al competitivo mercado Anglosajón. El año 2005 consagró a Daddy Yankee como una súper estrella internacional. Obtuvo el Premio Lo Nuestro a la Música Latina por su producción “Barrio Fino”, galardonada como Álbum del Año en la categoría Urbana. El 28 de abril de 2005, Yankee también fue galardonado con el Álbum Reggaetón del Año en los Premios Billboard de la Música Latina 2005, por su producción “Barrio Fino”. Es evidente que Daddy Yankee se ha convertido en el astro del reggaetón y le espera un futuro brillante como intérprete y artista musical.

David Bisbal nació el 5 de junio de 1979, en la ciudad de Almería. Es el menor de tres hermanos y el único que ha seguido una trayectoria artística. Abandonó los estudios de BUP para estudiar forestal y llegó a trabajar en un vivero durante un tiempo.
Un día se presentó al casting para seleccionar el cantante del grupo ‘Orquesta Expresiones’, y se llevó el trabajo. Actuaban en fiestas populares,llendo de pueblo en pueblo con su música.
Pero su mayor éxito fue llegar hasta la final de Operación Triunfo y ser uno de los ganadores, junto a Rosa y David Bustamante. A pesar de no llevarse el primer puesto, sí ha sabido aprovechar el tirón promocional que supuso el programa y se ha convertido en el que más discos ha vendido hasta la fecha. Siete discos de platino y un millón de discos avalan su tremendo éxito y sintonía con su público, no solo español, sino a nivel mundial.
Estamos frente a un cantante con un enorme carisma y una fuerza arrolladora sobre el escenario. Debido a ello, la discográfica Vale le fichó para grabar su primer disco, ‘Corazón Latino’. El disco fue sido grabado en Miami con la producción de Kike Santander, el mismo que produce los discos de Luis Miguel.
En febrero del 2004 aparece su segundo álbum titulado “Bulería”. Sin duda, este será el año del ex alumno de la Academia de Operación Triunfo. “Bulería” viene precedido por varios premios a su anterior trabajo, entre ellos un Grammy Latino y el de Mejor Artista Latino en los World Music Awards de Montecarlo.

Diego Torres nació el 9 de marzo de 1971 en Buenos Aires, Argentina. Diego,  sumó  a la influencia de un ambiente marcado a fuego por una leyenda: su madre es la legendaria Lolita Torres, todo su talento y su carisma personal.Ya adolescente  formo una banda  a la que llamo “La Marca”. Corría el año 1989 y, paralelamente a este primer proyecto musical, Diego incursionaba como actor en la TV aunque sin distraer el trabajo con su banda. En 1991, la etapa de “La Marca” llegaba a su fin después de dos años de trabajo intenso. Diego tuvo entonces una certeza: la música y el escenario eran definitivamente lo suyo.Sin embargo y a pesar de que las múltiples ofertas actorales , su proyecto musical acaparó su atención. Fue entonces cuando, en 1992,  edito su primer álbum: “Diego Torres”, bajo la producción  artística de Cachorro López.  Con su álbum debut Diego deja asentada su calidad. No fue necesario esperar a discos siguientes para obtener pruebas de su éxito. En pocos meses, las ventas alcanzaron  (y superaron) el Triple Platino en Argentina. Una gira por todo el país confirmaba que su intuición no le había fallado. Dos años mas tarde, y de la mano de Cachorro López nuevamente, edita su segundo álbum  “Tratar de estar mejor”. Siguiendo la estética inaugurada en el disco anterior, este nuevo álbum presentaba una combinación de ritmos  tan distintos como el reggae, la balada y el funk, soportes musicales de buenas historias. Diego resultó el artista argentino de mayor ventas y mayor convocatoria durante los años 94 y 95. “Tratar de estar mejor” logro vender cerca de medio millón de copias solamente en Argentina y otro tanto en el continente americano.
El nombre y la música de Diego Torres amplio sus horizontes  y en 1996 el productor italiano Celso Valli (Eros Ramazzotti, Giorgia, Miguel Bosé, entre otros) se encargo de la artística de “Luna Nueva” su tercer placa con la conquisto a los Españoles también, quienes lo nvitaron a participar de un disco excepcional en tributo a Joan Manuel Serrat “Serrat,…Eres único”, donde aporto su talento interpretando la canción “Penélope”. Esta canción sonó durante un año en los charts del continente americano y España, y fue también incluida como bonus track en la versión argentina de “Luna Nueva”. Con su tercer trabajo bajo el brazo, Diego comenzó a hacer shows en varios puntos del continente y logro el reconocimiento como el mejor interprete masculino argentino.Mientras alternaba sus giras de “Luna Nueva” por el exterior y el interior de su país, preparaba el contenido de su próximo álbum y participaba como actor principal en dos películas de gran taquilla en Argentina. “La  Furia” en 1998 y “La Venganza” en 1999.  Una vez finalizadas las actividades de promoción de sus  dos exitosas películas, Diego  volvió a juntarse con Cachorro López para darle  forma a su nuevo álbum “Tal Cual Es”.Decía Diego: “Me parecía que “Diego Torres: Tal cual es”,  unía mi nombre y el del álbum y formaba algo que tiene que ver mucho con este disco. Que tiene que ver mucho conmigo. Que es, a través de todos los años que uno tiene de carrera, darle importancia a que la esencia siga siendo la misma. Lógicamente con todos los cambios que uno va teniendo por los años y por todas las cosas que te van pasando, pero refleja claramente lo que a mi me pasa musicalmente, lo que a mi me pasa como persona, en las letras. Por eso me parecía un nombre fresco y claro.”Llega el año 2001 con Un mundo diferente, 10 años de carrera se ven coronados por el disco de mayor repercusión y reconocimiento de Diego Torres en Argentina y en muchísimos otros países.

 Las canciones de Un Mundo diferente  calan hondo, abren un crédito esperanzador de que no todo es pálido y chato, y ratifican una vez más la importancia de la música para salir del ahogo de la realidad. Por todo esto, Diego logra, desde el escenario  transformarse en un canal de comunicación para hacerle llegar a sus miles de fans esta mentalidad tenaz, ganadora y positiva de que se puede.

Un mundo diferente:  Resumen del reconocimiento:
13 Luna Park agotados.  5 Nominaciones a los premios MTV/ VMALA. Ganador mejor video clip “Color Esperanza”MTV elegido por la gente. Artista mas nominado junto a Juanes y Shakira. Ganador de dos premios TU MÚSICA en Puerto Rico Mejor Canción Internacional y Mejor Video Internacional  ”Color Esperanza”.
 Color Esperanza fué elegido espontáneamente en todas las escuelas del país como mensaje esperanzador para la familia y como segundo himno en todas las fiestas patrias.* Color Esperanza fué elegido el 11de Septiembre como mensaje de paz y esperanza en las radios de toda América.   
Convocado para llevar su mensaje de Esperanza Solidaridad y su defensa de los valores humanos al encuentro de su santidad el papa con la juventud Española.

DIEGO TORRES MTV UNPLUGGED
Tiene la  emoción de un concierto en vivo, la intimidad generada a partir del formato unplugged, la exquisitez de los arreglos en cada canción  y  la impecabilidad del sonido; todo bajo la mirada atenta de quienes de verdad saben y sienten lo que hacen.
Afo Verde y el mismo Diego Torres son los productores del álbum, quienes trabajaron incansablemente en cada ensayo y en cada detalle del disco.
 Entre las canciones más destacadas del disco, se encuentra el tema inédito “Usted”, compuesto e interpretado por Vicentico y Diego Torres.
La mexicana Julieta Venegas y su acordeón participan en “Sueños”; el ensamble de las dos voces y la dulzura de Julieta en esta canción, la convierten en una de las versiones mas logradas del disco; Julieta también participa con su acordeón, en el acompañamiento de “Que no me pierda”.

Además de “Usted”, Diego estrenó otras tres nuevas canciones “Cantar hasta morir”, (primer corte del disco), “Déjame estar” y “Tal vez”, un tema que dedica a su madre.
Otra sorpresa es la versión de “Dónde Van”,  transformada en una balada intimista, con Diego interpretando la canción al piano.
 
MTV Unplugged resumen del éxito arrasador
• Ha sido hasta el momento cuádruple Platino en Argentina!!!
• El disco mas vendido del año 2004!!!
• Superó los 100.000 discos vendidos en  Méjico, al igual que en Chile, Perú y Uruguay
• Fue presentado en vivo en 15 funciones en el Estadio Luna Park de Buenos Aires.
• Realizó una inmensa gira por Latinoamérica visitando 54 ciudades y 17 países; su show en vivo fue visto por más de 1.000.000 de personas en toda la región.
• Agotó las localidades en el Auditorio Nacional de Méjico, con una semana de anticipación, la gira Mejicana 2004/2005 ha sido un éxito en convocatoria y en críticas positivas de la prensa y el público.-
* Diego Torres MTV Unplugged obtuvo 6 Nominaciones y 2 Premios Gardel 2005 .
* Diego Torres fue elegido por CAPIF “Personalidad del año 2005” y será homenajeado el 29 de Marzo en La esquina Carlos Gardel.-

Año 2006 - ANDANDO.

Andando es el séptimo disco en la carrera de Diego Torres. Fue íntegramente producido por el propio artista, marcando un profundo crecimiento artístico y sumando experiencia a su gran talento como cantante y compositor. El álbum trae 13 nuevas canciones y cuenta con la colaboración de dos invitados de lujo: el dominicano Juan Luis Guerra en un dueto en el single “Abriendo caminos” y el español Joaquín Sabina, quien escribió la letra de la canción “Por la escalera”, especialmente para este nuevo disco de Diego.  
El álbum será editado el próximo 25 de Julio en Sudamérica - 8 de Agosto en México & USA.
Diego Torres iniciará una extensa gira promocional, que comienza a fines de Junio en México y Estados Unidos.

Enrique Iglesias nació el 8 de mayo de 1975 en Madrid, España, aunque siendo aún muy joven, a la edad de siete años, se fue a vivir a Miami, Florida, donde se educó y aprendió el que es su segundo idioma, el inglés, mediante el cual ya ha compuesto algunas de sus canciones.

Enrique Iglesias se beneficia de haber adoptado la cultura europea y la cultura inglesa desde su niñez, y aprovecha ese hecho al máximo para darle a sus canciones algo que hace que guste en ámbos continentes, lo cual le encanta, ya que le gusta la idea de hacer musica que llegue a todos los oídos.

En 1995, a la edad de 20 años, saca su primer disco, “Enrique Iglesias”, el cual lo había estado preparando desde que era un adolescente. El disco fue un gran éxito, ya que en pocas semanas cosiguió ser disco de oro en Portugal. En total, su primer disco ha vendido casi 6 millones de copias en todo el mundo.

Con su segundo álbum también cosechó un gran éxito, y llegó a vender más de 5 millones de copias en todo el mundo. Además, Enrique ha escrito algunos de los temas que canta en sus discos, lo cual le hace expresar exactamente lo que desea.

En 1997 hizo su primera gira mundial, “Vivir”, con la que recorrió 13 paises, y en 1999 hizo la segunda, en la que recorrió Europa, Asia y América.

Todo esto le ha valido para conseguir en 1996 el premio Grammy al mejor artista latino, y ser nominado al mismo premio un año después. Ha conseguido un gran número de discos de oro y platino, y se ha merecido el título de ser el artista latino más internacional.

En el 2001 publicó ‘Escape’. Con este disco, Enrique Iglesias se aleja de los ecos latinos de su anterior álbum en pos de un sonido pop más internacional, pudiéndose apreciar un Enrique mucho más maduro como intérprete y como compositor. Con ‘Escape’, Enrique Iglesias consiguió estar clasificado en todas las listas europeas y americanas (3 semanas seguidas en el nº1 en las listas del Reino Unido).

Por fin, en septiembre del 2002 apareció ‘Quizas’, el nuevo disco de Enrique Iglesias completamente en español después de 5 años. El álbum incluye algunas versiones de temas conocidos, como ‘La chica de ayer, compuesta por Manolo Tena y que anteriormente interpretaba Nacha Pop.

Con más de 30 millones de discos vendidos en todo el mundo Enrique se encuentra en el cenit de su carrera.

Rodolfo “Fito” Páez nació el 13 de marzo de 1963, en la ciudad de los pibes sin calma:
Rosario, Argentina. Sus padres eran Rodolfo Páez y Margarita Zulema Avalos (pianista
concertista, además de profesora de aritmética y álgebra) quien tenía 31 años cuando tuvo a Fito. Ella murió 8 meses más tarde; todo lo que quedó de ella es una foto donde esta vestida de blanco tocando el piano, un disco de pasta grabado en una radio, y un recuerdo.

-¿Como recordás a tu madre?- “Yo creo que ella esta todo el tiempo en la manera en como toco el piano. Mi vieja fue la gestadora de todo lo que me paso. Fue la primera ausencia, el primer sentido de que la cosa no andaba bien y que el mundo ha vivido equivocado”.

“Por lo que me contaron, mi madre era un encanto. Y por lo que pude escuchar de ella,
interpretaba el piano maravillosamente bien. Era profesora de aritmética, una persona
deliciosa, muy poco neura. Tenía 31 años cuando murió, muy joven… Ahí es donde siento un dolor, empiezo a percibir un dolor, aunque no tengo recuerdos intrauterinos o de los primeros meses de vida. Ahí entiendo por que me enrollaba tanto con la música y me separaba tanto de lo social. ¿Qué estaba buscando en todo eso? Un placer, sin duda por que a mi la música me proporciona mucho placer desde pequeño”.

Fito y su padre (quien era empleado municipal) se instalaron en la casona de Balcarce 681. Él nunca mas hablo de casarse “para él su amor era Margarita. Yo digo que él, al morirse ella, se dejo morir”. Dice Charito, la hermana del padre.

En la vieja casona vivía junto a su abuela Belia Zulema Ramírez de Páez, y su tía abuela
Josefa Páez (Pepa). “Entrabas a mi casa y había un afiche que decía: “Nadie sabe en que rincón se oculta el que es su enemigo”, quizás una profecía sobre la posterior muerte de las viejas… Entrabas y a la derecha el cuarto era todo rojo: los muebles rojos y un mantel
italiano todo floreado… Las paredes verdes y el piano rojo. Te ibas a la otra pieza y era
amarilla, Con dos armarios gigantes negros y un espejo enorme: esa era le pieza de mi abuela.
Y la tercera pieza, era la de mi padre, era roja, con la heladera y el baño de la casa dentro.
Yo dormía en la pieza de mi abuela. Era todo sórdido, con los techos cayéndose a pedazos”. La primaria la curso en una escuela publica, la “Mariano Moreno”.

En marzo de 1976 arranca la secundaria en el colegio privado “Dante Alighieri”. No era
rebelde, pero ocurrente. En una oportunidad cuando la profesora de Castellano les ordenó leer un poema de un autor español, Páez arranco con “El fantasma de Canterville” tema de Charly García; dicen que la profesora lo felicito. (Leer Articulo Completo)

Gloria María Fajardo nació el 1 de Septiembre de 1957 en La Habana. A la temprana edad de 16 meses, la pequeña Gloria, junto a toda su familia debieron dejar la isla, atosigados por el régimen de Castro. Actualmente, y desde Miami la ciudad donde reside, la cantante no se cansa de proclamar su anticrastismo y sus ganas de volver a la isla.

Gloria y su familia se instalaron en un pequeño apartamento detrás del Orange Bowl, en el ghetto cubano. Su padre, que era militar tomó parte en la fallida invasión a la Bahía de Cochinos, él fue el capitán de la división de tanques. Fue enviado a la cárcel durante un largo tiempo. Unos años después José regresó a Estados Unidos e ingresó en la el ejército estadounidense. Fue trasladado a Texas, lugar donde aterrizó junto a toda su familia. Allí nació la hermana de Gloria, Rebecca.

Para Gloria la música siempre ha sido muy importante, aunque hay que decir que su música de juventud no fue la latina, por la que se ha hecho famosa años más tarde, sino que sus primeros grupos eran ingleses como Gerry and the Peacemakers, The Beatles, The Rolling Stones, etc. Gloria conoció a su marido Emilio Estefan Jr. durante unas clases de música a las que asistía. Éste había formado unos meses antes una banda en la que el tocaba el acordeón. (Leer Articulo Completo)

Jennifer López se ha convertido en la actriz latina mejor pagada de Hollywood, con un caché de más de un millón de dólares por película. Además, es una de las cantantes latinas más conocidas en todo el mundo, lo que la convierte en una de las jóvenes artistas más completas.
Jennifer Lopez nació el 24 de julio de 1970 en el Bronx neoyorkino, en una familia de emigrantes puertoriqueños. Su padre era informático y su madre trabajaba en una guardería cuidando niños.
Desde muy pequeña, la meta de Jennifer López fue ser artista. Con ese objetivo, sus primeros pasos la llevaron a actuar en musicales, y a tener un papel secundario en la película ‘My little girl’. (Leer Articulo Completo)

1949

Nace en Úbeda (Jaén), el 12 de febrero. Se llama Joaquín R. Martínez Sabina. Cursó estudios primarios en el colegio de las monjas Carmelitas y bachillerato en los Salesianos. De signo acuario, hijo de un inspector de polícia secreta y de una ama de casa.

1950

A los catorce años ya escribe versos y a los dieciséis comienza a leer a Fray Luis de León, Jorge Manrique y José Hierro mezclados con Proust, Joyce, Marcusse… Forma su primera banda, Merry Youngs, un grupo de adolescentes que versionaban a Elvis, Chuck Berry y Little Richard.

1968

Matriculado en la Universidad de Granada, inicia sus estudios de Filología Románica. Participa en las fuertes algaradas estudiantiles que sacuden el país. Durante las vacaciones navideñas, su padre recibe la orden de conducirlo a Granada con el fin de que preste declaración por su supuesta militancia en grupos políticos contrarios al régimen franquista.

1970

Colabora en los primeros números de la revista “Poesía 70″, compartiendo páginas con Luis Eduardo Aute o Carlos Cano. Se exilia a Londres tras poner un cóctel molotov en una sucursal del Banco Bilbao de Granada en protesta por el proceso de Burgos. Falsifica su pasaporte e inicia su andadura de “exiliado político” con el nuevo nombre de Mariano Zugasti. No regresará a España hasta 1.977.

1974

Colabora en Londres con el Club Antonio Machado, uno de los centros frecuentados por emigrantes y exiliados. Reconstruye el grupo de teatro “Juan Panadero”, que pondría en escena obras tan polémicas como “La excepción de la regla” de Bertol Brecht y “El cepillo de dientes” de Jorge Díaz. Fue squatter durante un año, cuando vivió en una casa “okupada” ubicada frente a un circo londinense.

1975

Escribe sus primeras canciones. En un bar local llamado “Mexicano-Taverna”, actúa ante George Harrison que celebra su cumpleaños. El ex-beatle ante la felicitación musical de Sabina, le entrega cinco libras de propina.

1976

Se edita en forma de libreto de canciones “Memorias del exilio” (Editorial Nueva Voz). El propio Sabina financia la edición: 10.000 ejemplares. Actúa de telonero en Londres de Paco Ibañez, Lluís Llach, Pi de la Serra y Elisa Serna ante la colonia de exiliados. La BBC le encarga la banda sonora de la serie “The last crusade”. Fernando Morán, cónsul en Londres, le entrega a Sabina su pasaporte.

1977

Regresa a España y se marcha a hacer el servicio militar a Mallorca. Para conseguir el pase pernocta con el que trabajar en “Ultima hora”, un diario local, decide pasar por la vicaría casándose con Lucía Inés Correa Martínez, argentina que conoció en Londres. (Leer Articulo Completo)

Juanes inicia su carrera artística a los 15 años de edad en Medellín, Colombia, cuando crea la banda metalera Ekhimosis, banda que permanece unida durante doce años y graba cinco álbumes. En 1999 decide iniciar su carrera solista como Juanes, abreviatura de Juan Esteban, y en cuatro años y tres discos se convierte en el artista latino con mayor credibilidad, ventas y proyección en el mercado internacional.

Cantante, guitarrista, productor y autor de la música y letra de todos los temas que canta, Juanes crea su plataforma artística basándose en lo más importante: la música. En los últimos 4 años, Juanes ha Ganado 9 Premios Grammy Latinos, 5 Premios MTV, 6 Premios Lo Nuestro, 3 Premios Amigo y un Premio Ondas entre otros reconocimientos internacionales.

Su guitarra ecléctica produce una música original con extrema variedad de fuentes, estilos e influencias. De su época de adolescente toma el rock que gobernó su gusto musical desde que pisó el primer escenario. De su niñez en las montanas antioqueñas, toma esos ritmos autóctonos latinos como vallenato, ranchera, tango, bolero, salsa, guasca y trova cubana, que le enseñaron Javier , Javier Jr, José , Jaime, su padre y tres hermanos, sus primeros profesores de canto y guitarra. ( Las cuatro Js no son una coincidencia) (Leer Articulo Completo)